Jeannine Oppewall 是荷里活的 Production Designer，她這次的講課是內容關於<< The Good Shepherd>>這部電影的美術工作。在整個課堂中，大家印象最深刻的當然是她播放的一個製作片段；然而，她於電影業中的處事態度更值得我們學習及尊重。
她在一開始，就說明了當美術部門的第一個使命，“read and serve the script as the client”，不應只是美術部門，所有部門亦應如是。劇本中的世界、人物、建築物，全部也是屬於電影中的真實世界。他們既有生命，亦有生活，然而他們身處的環境中最需要的就是「生活感」。美術的工作就是要 “create the environment for the characters”，製造電影中的環境，而環境則是專門為「角色而設立」的。這句說話，就足以表達了Jeannine Oppewall當美術的理念，為劇本中的人物建立他身邊的環境。而且，在製造環境之前，必先要了解人物的性格及其背景，才可把真正屬於他的東西建立出來。
不論是重新砌成的set、在房間中的小枱燈，還是牆上的圖案，也經過她的深思熟慮才可在大銀幕出現。她先與導演溝通，然後盡量配合，再做出每一個景，及放置每一個小道具。像<< The Good Shepherd>>中，麥迪文兒子的房間牆上的圖案，是船。麥迪文曾於戲中造了一隻船給兒子，而兒子亦非常喜歡及珍惜。故代入兒子的想法，他是一個非常尊敬父親的人，而船亦成為父子的信物，所以他房間牆紙是這圖案的話，就更具意義！
當美術指導，不但需要與導演溝通，還有攝影師，她需要知道這場戲的tone及感覺是如何，才能做了這個適合的場景；而且，要讓攝影師知道美術方面，那些是可突顯人物性格，好讓攝影師更明白其部門之心思及運作。另外，她還要知道如何剪接某些特別鏡頭，與後期製作的溝通亦不可忽略。席間，她播放了一個經過後期製作的長鏡頭。這個長鏡頭是一個crane down鏡頭，先是從大環境crane下來，再到地面。其實這是由一個拍模型的鏡頭和一個廠景鏡頭而成，Green Background及模型也在此出現。她在製造模型之前，需要知道剪接點在那兒，才能加以配合。鏡頭先從模型中crane down，然後到了地面，穿過一道牆，才到真正的廠景。這種的接駁鏡頭，在荷里活的電影中是非常常見的，而且做得十分真實。這種所謂的真實，是不能讓觀眾感覺到有「接駁位」。從這個鏡頭可見，在模型當中，她一早設定了某數個部分是做Green Background，在模型中的牆是單色，而在Green Background前就拍攝有些人在燒紙，或在裝潢等；這些人物動作，全都把「虛假的模型」添加一些真實，一些生活的細節；而且在接駁位中安排一名工人在放石頭，這就可掩飾某些「穿崩」的地方。故，在前期製作模型及搭建廠景時，她需事先了解一切，才能把「電影中的真實」呈現。
另一點Jeannine Oppewall在課堂上曾提及的，就是 “responsibility”。她說在當美術時，星期一至五在NewYork工作，然後星期五晚就坐飛機到London，星期日晚又坐飛機回到NewYork。原因只有一個，就是工作。 “Once you received the movie, you need to work, this is responsibility”，當每一個部門，也需要盡責任。不應是工作，做人亦應如此。做不來的話，就不應答應，必須要完成才可以。
她除了對自己有高的要求，對她的助手們亦是。她在置景時會有很高要求，因她認為美術部門是第一批接觸「景」的人，故她們把景做得最好，就可引發別人做得更好 “find inspiration from the sets to improve their job or work”。在她搭好其中一個屋景時，導演來到，然後盛讚她做得很好；大約說過她的sets 是在最高standard時，希望演員也能做到她的standard那兒。這些話令她感到滿足及驚嚇，因而成為她的推動力。
這次兩小時的課堂，看到Jeannine Oppewall的個性，她是一個非常好動，愛sharing的人；她令整個課堂變得非常生動，看到她的手稿時，更覺其精細的佈置及思想。她當美術的要求，不止只用在美術部門，在所有部門也中用的。「serve the script」、「主動溝通」、「盡責任」等等，亦是電影製作人應有的信念及做事態度。一部電影，並非一部只屬於導演的作品，而是屬於所有電影製作人的作品；每一個製作部門，亦非常值得我們尊重的。
2010年11月28日星期日
2010年11月22日星期一
ADC 與 獨立電影 座談會
電影及媒體藝術組織座談會 (2010.11.09 Tuesday)
［座談會題目：如何協助本地獨立電影的發行及推廣活動］
正如題目所言，此座談會的目的是討論如何幫助本地之獨立電影，是在發行宣傳方面，而非製作。首先，要理解所有，必先介定「甚麼是獨立電影」。獨立電影應是低成本製作之電影，而此電影作者或許是知名度不高或是電影界的新血。此類獨立電影亦由導演主導，比較有個人理念及想法的別類電影。由於經驗不足，未能得到規模龐大的製作公司支助；故這就道出當天座談會的精要所在，「如何從藝術發展局中得到幫助（在發行及宣傳方面）」。
已完成的獨立電影，在發行及宣傳過程找尋幫助，是製作電影過程的最後一步。在此刻香港來說，很多獨立電影製作人，完成自己的電影後，才驚覺自己並未能support此最後一項的宣傳費。由於此情況持續，故香港出現了一些專門為「獨立電影發行及宣傳」的機構。事實上，這些機構從藝發局得到資助，然後再幫獨立電影發行及宣傳。出席會議的機構有四個，在聽取各機構的簡介及他們的意見時，我在想……若眾機構也是為香港獨立電影出力，為何要分為四個機構？現在有些「協助活動」少不免會出現重疊的情況，不單止重複了某些資源；另外一點是，席間有新電影製作者提出他未曾知道過有這些機構的存在，及未曾尋求協助。這是另一個現存的問題，就是得到資助的機構宣傳不足，不夠深入「電影人的民心」（又可以反過來說，是那些新晉導演的passion問題，往後會再談）。其實這就反映了機構工作重疊，容易令製作人混亂；及機構宣傳不足，未能令所有製作人知道機構的存在的真實狀況。這樣的話，不就是未能把機構的主旨發揚光大，未能充分利用所有的資助嗎？
或許這樣吧，藝發局首先要讓獨立電影製作人明白，各機構的主旨是甚麼。不知是不是撥出資助後就不能干預機構的政策，若是的話，那下列的建議就不中用了。若藝發局可以，他們亦應建議各個機構盡量不重復其工作；如發行獨立電影DVD是機構一，當機構二及三想製作DVD，亦應找回機構一；而機構四則負責全權的放映活動。藝發局當中間人，協助溝通，避免資源分配重疊。
另一方面則是宣傳，當中三間機構每年也會舉辦不同的電影節。如影意志會辦香港亞洲獨立電影節，IFVA及InD Blue亦會辦短片節。觀眾可以從這些電影節而認識該機構，機構亦應在辦電影節時宣傳自己。很多普通觀眾只是來看電影而已，他們並不知道舉辦單位的一切，應這樣說，很多人根本從未留意。
話說回來，機構的存在是因獨立電影製作人未能為自己的電影作發行而存在的。就如杜sir所說，最重要的還是製作人的passion。這句說話真的很正確。其實他們理應自己負責宣傳的活動，將他們交給機構作宣傳，好像有一點兒「甩尾」的感覺。為何有這樣的想法？公開放映給觀眾欣賞是製作人的心願，獨立電影人是的，而我們當學生亦然。像去年拍攝畢業作品，我們知道一定會有畢業作品放映會，當然只著重了製作的部分。但當作品完成，放映會舉行前夕，我們也有參與宣傳。雖然有放映會，但大家未能保證一定有觀眾的。故我們就剪接預告片、製作poster及單張、發電郵作出邀請及製作DVD等等。雖然規模不能與「電影宣傳」相比，但我們又何嘗不是在做宣傳工作？見薇之著，學生製作及獨立電影製作同是電影製作，若宣傳部分也是自己負責時，應是特別賣力，感受特別深刻。故獨立電影製作人，早在開拍之前，亦應要先準備發行及宣傳方面，及參與發行及宣傳，假手於人未必是好事。
當獨立電影製作人，最難辦的放映，就是把電影搬到戲院作播放。香港情況是由院線當主導，一間一間普通的電影院相繼倒閉，院線只播大製作的商業片。暫時只有電影中心及the grand cinema敢冒險。其實，這才是問題的所在。商業性質的戲院，播放當然是商業性質的電影。記得上丁雲山先生的課堂時，他曾說過電影製作公司的幕後上市公司老闆是商人，跟他們談藝術有何用？他們看重的是金錢的多少……正如戲院一樣，要改變院線老闆的思想是無可能的。要打破這個傳統，不是一朝一夕能解決的事。若要這樣，就要把現有的「別類戲院」（要稱為別類戲院其實已用了主流眼光去看這些戲院，認為他們是較特別的。要把這種「正常戲院」及「別類戲院」的概念調換，又談何容易？）的數目增加，播放更多非主流電影，如獨立電影及短片。成為自主的新一角。
可以建立一間固定的戲院，戲院內不停播放香港或外地所製作的獨立電影及短片。戲院不需要擁有很多影院，或許兩個就足夠。好像別的影院一樣，賣票賺取盈利，而影院旁亦應有場地給予電影人作交流，如café。我認為需要給予製作人一個定期的聚腳地，而且該場地亦可以吸引觀眾到訪（就是café與放映院）。不知藝發局可否當場地的負責人，打造一所「別類戲院」，令眾觀眾及獨立製作人也意識到它的存在。同時這個地方就可以成為宣傳的主要場地，舉行獨立電影發佈會，各種座談及研討會等；又可提供場地給機構舉辦獨立電影節及短片節；這樣的話，機構亦可充分利用資源，不用以昂貴價錢租借戲院場地。香港有牛棚藝術村，亦可以有「獨立電影院或藝術電影院」，這才能令獨立電影及被標為非主流的電影有曝光的空間。
香港需要這類的空間，亦需要這類的觀眾。席間聽到一位理大老師說他支持學生製作還是某獨立電影，他特意買了兩次戲票以作支持。是的，電影製作人需要passion，協助的機構及藝發局又何嘗不需要passion？談如何幫助獨立電影的人，每位也是觀眾。很好奇想知道當天出席的人，有多少人曾看過或支持過獨立電影…….我們需要這種觀眾成為「藝發局協助獨立電影委員會」的成員，若非他們的話，又如何為獨立電影，為香港電影業向上爭取更多？
座談會的結束令我想起十月份到北京參與的獨立電影節，有內地觀眾很不滿意內地所謂的獨立電影，他曾在答問環節道出內地獨立電影無故事性，隨便拿著攝影機，拍一小時的片，不作出太多的剪接，就可以成為「獨立電影」，到處參與不同影展。他不認為這些是「獨立電影」，相反，他認為香港的「獨立電影」很好，故事非常完整，人物亦很鮮明等。我倒不明白，為何要否則這些內地的「獨立電影」？所謂的「獨立電影」，就是擁有導演原創理念的電影。其實香港的「獨立電影」，有時亦有很重的「商業」味道，相反，內地的「獨立電影」卻較個人風格化。那位內地觀眾只是要求「獨立電影的好與壞」，而非真正的「獨立電影」。然而，我卻欣賞那些內地獨立電影製作人的熱誠。他們喜歡電影，完成作品後自己參與國內外不同的影展。我曾與他們傾談，問有沒有人幫助過他們，他們卻說很少，機乎是沒有……連DVD也是自己製作，在不同影展的時候放出來賣，以賺取一些費用再拍電影。
我想，不同的地區對獨立電影的定義也不同，但同是喜歡電影的熱誠是一樣的。若想電影有人欣賞，不是需要藝發展或機構的協助，而是主動去尋求這些幫助。而藝發局及機構只能當輔助角色，如提供一些設施、場方或經濟的協助，最終的宣傳及發行方向，亦應是導演參與，才能把電影宣傳得更好。
［座談會題目：如何協助本地獨立電影的發行及推廣活動］
正如題目所言，此座談會的目的是討論如何幫助本地之獨立電影，是在發行宣傳方面，而非製作。首先，要理解所有，必先介定「甚麼是獨立電影」。獨立電影應是低成本製作之電影，而此電影作者或許是知名度不高或是電影界的新血。此類獨立電影亦由導演主導，比較有個人理念及想法的別類電影。由於經驗不足，未能得到規模龐大的製作公司支助；故這就道出當天座談會的精要所在，「如何從藝術發展局中得到幫助（在發行及宣傳方面）」。
已完成的獨立電影，在發行及宣傳過程找尋幫助，是製作電影過程的最後一步。在此刻香港來說，很多獨立電影製作人，完成自己的電影後，才驚覺自己並未能support此最後一項的宣傳費。由於此情況持續，故香港出現了一些專門為「獨立電影發行及宣傳」的機構。事實上，這些機構從藝發局得到資助，然後再幫獨立電影發行及宣傳。出席會議的機構有四個，在聽取各機構的簡介及他們的意見時，我在想……若眾機構也是為香港獨立電影出力，為何要分為四個機構？現在有些「協助活動」少不免會出現重疊的情況，不單止重複了某些資源；另外一點是，席間有新電影製作者提出他未曾知道過有這些機構的存在，及未曾尋求協助。這是另一個現存的問題，就是得到資助的機構宣傳不足，不夠深入「電影人的民心」（又可以反過來說，是那些新晉導演的passion問題，往後會再談）。其實這就反映了機構工作重疊，容易令製作人混亂；及機構宣傳不足，未能令所有製作人知道機構的存在的真實狀況。這樣的話，不就是未能把機構的主旨發揚光大，未能充分利用所有的資助嗎？
或許這樣吧，藝發局首先要讓獨立電影製作人明白，各機構的主旨是甚麼。不知是不是撥出資助後就不能干預機構的政策，若是的話，那下列的建議就不中用了。若藝發局可以，他們亦應建議各個機構盡量不重復其工作；如發行獨立電影DVD是機構一，當機構二及三想製作DVD，亦應找回機構一；而機構四則負責全權的放映活動。藝發局當中間人，協助溝通，避免資源分配重疊。
另一方面則是宣傳，當中三間機構每年也會舉辦不同的電影節。如影意志會辦香港亞洲獨立電影節，IFVA及InD Blue亦會辦短片節。觀眾可以從這些電影節而認識該機構，機構亦應在辦電影節時宣傳自己。很多普通觀眾只是來看電影而已，他們並不知道舉辦單位的一切，應這樣說，很多人根本從未留意。
話說回來，機構的存在是因獨立電影製作人未能為自己的電影作發行而存在的。就如杜sir所說，最重要的還是製作人的passion。這句說話真的很正確。其實他們理應自己負責宣傳的活動，將他們交給機構作宣傳，好像有一點兒「甩尾」的感覺。為何有這樣的想法？公開放映給觀眾欣賞是製作人的心願，獨立電影人是的，而我們當學生亦然。像去年拍攝畢業作品，我們知道一定會有畢業作品放映會，當然只著重了製作的部分。但當作品完成，放映會舉行前夕，我們也有參與宣傳。雖然有放映會，但大家未能保證一定有觀眾的。故我們就剪接預告片、製作poster及單張、發電郵作出邀請及製作DVD等等。雖然規模不能與「電影宣傳」相比，但我們又何嘗不是在做宣傳工作？見薇之著，學生製作及獨立電影製作同是電影製作，若宣傳部分也是自己負責時，應是特別賣力，感受特別深刻。故獨立電影製作人，早在開拍之前，亦應要先準備發行及宣傳方面，及參與發行及宣傳，假手於人未必是好事。
當獨立電影製作人，最難辦的放映，就是把電影搬到戲院作播放。香港情況是由院線當主導，一間一間普通的電影院相繼倒閉，院線只播大製作的商業片。暫時只有電影中心及the grand cinema敢冒險。其實，這才是問題的所在。商業性質的戲院，播放當然是商業性質的電影。記得上丁雲山先生的課堂時，他曾說過電影製作公司的幕後上市公司老闆是商人，跟他們談藝術有何用？他們看重的是金錢的多少……正如戲院一樣，要改變院線老闆的思想是無可能的。要打破這個傳統，不是一朝一夕能解決的事。若要這樣，就要把現有的「別類戲院」（要稱為別類戲院其實已用了主流眼光去看這些戲院，認為他們是較特別的。要把這種「正常戲院」及「別類戲院」的概念調換，又談何容易？）的數目增加，播放更多非主流電影，如獨立電影及短片。成為自主的新一角。
可以建立一間固定的戲院，戲院內不停播放香港或外地所製作的獨立電影及短片。戲院不需要擁有很多影院，或許兩個就足夠。好像別的影院一樣，賣票賺取盈利，而影院旁亦應有場地給予電影人作交流，如café。我認為需要給予製作人一個定期的聚腳地，而且該場地亦可以吸引觀眾到訪（就是café與放映院）。不知藝發局可否當場地的負責人，打造一所「別類戲院」，令眾觀眾及獨立製作人也意識到它的存在。同時這個地方就可以成為宣傳的主要場地，舉行獨立電影發佈會，各種座談及研討會等；又可提供場地給機構舉辦獨立電影節及短片節；這樣的話，機構亦可充分利用資源，不用以昂貴價錢租借戲院場地。香港有牛棚藝術村，亦可以有「獨立電影院或藝術電影院」，這才能令獨立電影及被標為非主流的電影有曝光的空間。
香港需要這類的空間，亦需要這類的觀眾。席間聽到一位理大老師說他支持學生製作還是某獨立電影，他特意買了兩次戲票以作支持。是的，電影製作人需要passion，協助的機構及藝發局又何嘗不需要passion？談如何幫助獨立電影的人，每位也是觀眾。很好奇想知道當天出席的人，有多少人曾看過或支持過獨立電影…….我們需要這種觀眾成為「藝發局協助獨立電影委員會」的成員，若非他們的話，又如何為獨立電影，為香港電影業向上爭取更多？
座談會的結束令我想起十月份到北京參與的獨立電影節，有內地觀眾很不滿意內地所謂的獨立電影，他曾在答問環節道出內地獨立電影無故事性，隨便拿著攝影機，拍一小時的片，不作出太多的剪接，就可以成為「獨立電影」，到處參與不同影展。他不認為這些是「獨立電影」，相反，他認為香港的「獨立電影」很好，故事非常完整，人物亦很鮮明等。我倒不明白，為何要否則這些內地的「獨立電影」？所謂的「獨立電影」，就是擁有導演原創理念的電影。其實香港的「獨立電影」，有時亦有很重的「商業」味道，相反，內地的「獨立電影」卻較個人風格化。那位內地觀眾只是要求「獨立電影的好與壞」，而非真正的「獨立電影」。然而，我卻欣賞那些內地獨立電影製作人的熱誠。他們喜歡電影，完成作品後自己參與國內外不同的影展。我曾與他們傾談，問有沒有人幫助過他們，他們卻說很少，機乎是沒有……連DVD也是自己製作，在不同影展的時候放出來賣，以賺取一些費用再拍電影。
我想，不同的地區對獨立電影的定義也不同，但同是喜歡電影的熱誠是一樣的。若想電影有人欣賞，不是需要藝發展或機構的協助，而是主動去尋求這些幫助。而藝發局及機構只能當輔助角色，如提供一些設施、場方或經濟的協助，最終的宣傳及發行方向，亦應是導演參與，才能把電影宣傳得更好。
2010年10月13日星期三
Meeting with Elad Keidan 2010.09.21 Tuesday
與以色列導演Elad Keidan會面前，看了他的短片製作。起初已被短片的opening所吸引，這個opening與別的片不同。以一個長鏡頭，不斷跟著不同的車和人而移動，到最後才把男主角帶出來。導演說過，一部電影的第一個鏡頭就是斷定了整部電影的節奏。他採用一個長達兩分半鐘的鏡頭來表現，長鏡頭中的慢節奏及悠閒氣氛（mood）已經在第一鏡頭呈現，給觀眾知道這是怎樣的短片。
無論在編劇課或剪接課時，老師們也說第一場戲和第一個鏡頭是非常重要，第一場戲要把電影的命題提出，或把重要人物介紹出來；而第一個鏡頭卻是導演給觀眾的第一個感覺。從導演口中得知，他為何要選擇一個長鏡頭及最後才把男主角帶出（製造出懸念感覺），是因為他想令觀眾看完眾多影片後，突然看到他的，會發現他的是與別不同，因而留下印象。
這樣看來，他是成功了，因導演是很著重觀眾的感受。他需要觀眾的留意，故在拍攝前已經想得非常仔細。相反，現時的年青製作人，很多時會自我沉醉，認為自己拍的不需觀眾明白。
另一方面，在他提出第一個鏡頭（或第一場戲）已斷定了整部電影的節奏，我回想起剪接Second Year Project的時候，那時的1st cut是很緩慢的，及後我們便把鏡頭的長度縮短，亦把數目減少，才把節奏加快了一點。其實，一個鏡頭內的節奏，早在拍攝中已經有了，後期加工的「節奏」與演員在鏡頭中的節奏是兩回事。故我認為，在拍攝前，我們應該要先了解片中的節奏，才不會犯錯，因有些問題在後期卻未必能補救得到的。
導演說過，他曾經幫朋友剪接一部紀錄片（若我沒有聽錯的話，短片是講述一位老人家，好像是他朋友的父親），他認為有些事情是命中注定的。就在他們完成剪接後，這位老人家也離世了。所以他覺得拍攝就是用來捉著某一刻（Capture the moment）。他提醒了我，看見有趣的事物，要付之行動。若遲了，就會錯過了自身本想紀錄下來的那種衝動。
導演說他自己很喜歡與人談話，好像他在等巴士的時候，他也想與陌生人談話。故此，他在片中安排了一個人問其他人時間。從此可以看到，導演對別人其實很好奇，他想知道身邊的人物的小故事。當然，我們當電影工作者的必定要對身邊的事物存在好奇心，要細心觀察，才能發現當中的趣味。
記得導演說過，在拍攝時眾人也想控制很多事，但事實並非如此順利。故要當機立斷，放棄或改變某些原本的決定。我認為他擁有這種心態是非常好，因為拍攝時間、天氣等問題，往往會成為拍攝的限制。但若導演理解問題所在，肯作出遷就，就可完成作品。對於我們的學生作品更重要，難道拍不成這個鏡頭就不行嗎？凡事應該懂變通，或許這樣對作品會更好。
他的短片 Anthem
無論在編劇課或剪接課時，老師們也說第一場戲和第一個鏡頭是非常重要，第一場戲要把電影的命題提出，或把重要人物介紹出來；而第一個鏡頭卻是導演給觀眾的第一個感覺。從導演口中得知，他為何要選擇一個長鏡頭及最後才把男主角帶出（製造出懸念感覺），是因為他想令觀眾看完眾多影片後，突然看到他的，會發現他的是與別不同，因而留下印象。
這樣看來，他是成功了，因導演是很著重觀眾的感受。他需要觀眾的留意，故在拍攝前已經想得非常仔細。相反，現時的年青製作人，很多時會自我沉醉，認為自己拍的不需觀眾明白。
另一方面，在他提出第一個鏡頭（或第一場戲）已斷定了整部電影的節奏，我回想起剪接Second Year Project的時候，那時的1st cut是很緩慢的，及後我們便把鏡頭的長度縮短，亦把數目減少，才把節奏加快了一點。其實，一個鏡頭內的節奏，早在拍攝中已經有了，後期加工的「節奏」與演員在鏡頭中的節奏是兩回事。故我認為，在拍攝前，我們應該要先了解片中的節奏，才不會犯錯，因有些問題在後期卻未必能補救得到的。
導演說過，他曾經幫朋友剪接一部紀錄片（若我沒有聽錯的話，短片是講述一位老人家，好像是他朋友的父親），他認為有些事情是命中注定的。就在他們完成剪接後，這位老人家也離世了。所以他覺得拍攝就是用來捉著某一刻（Capture the moment）。他提醒了我，看見有趣的事物，要付之行動。若遲了，就會錯過了自身本想紀錄下來的那種衝動。
導演說他自己很喜歡與人談話，好像他在等巴士的時候，他也想與陌生人談話。故此，他在片中安排了一個人問其他人時間。從此可以看到，導演對別人其實很好奇，他想知道身邊的人物的小故事。當然，我們當電影工作者的必定要對身邊的事物存在好奇心，要細心觀察，才能發現當中的趣味。
記得導演說過，在拍攝時眾人也想控制很多事，但事實並非如此順利。故要當機立斷，放棄或改變某些原本的決定。我認為他擁有這種心態是非常好，因為拍攝時間、天氣等問題，往往會成為拍攝的限制。但若導演理解問題所在，肯作出遷就，就可完成作品。對於我們的學生作品更重要，難道拍不成這個鏡頭就不行嗎？凡事應該懂變通，或許這樣對作品會更好。
他的短片 Anthem
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